Insurgentes

Insurgentes

En esta sexta entrega del ciclo Insurgentes, presento una nueva serie de obras de artistas mujeres y LGBTIQ+ de nuestro país, algunxs emergentes y otrxs referentes entre sus nichos artísticos.
Maia Basso nos invita a una caminata por los bosques del exilio y la nostalgia con “Más Allá”
El tenor rosarino Isaías Beni vocaliza con vehemencia su propia versión de “Wohin” de Frank Schubert.
Musgo y Mariana Pissano nos conducen a un trance chamánico inspirado por deidades maternales con “Nutricias”.
La dupla de artistas transgénero Alma de Camaleón y Solange Urruty Paganini presentan “La Serpiente Emplumada”, una obra visceral cargada de simbolos poderosos.

Sofía Lecuona Pugno

“Más Allá”, por Maia Basso
Estreno: jueves 7 de diciembre 2023 – 19h

En palabras de Maia: “Más Allá es una pieza que habla de tierra más que de árboles. No de las hojas que bailan con el viento y se exponen, sino de lo que las alimenta y las reverdece. La nostalgia es el vínculo que nos aferra a la esencia y si es aceptada nos permite comunicarnos con sinceridad por dónde sea que vayamos a lo largo y ancho del mundo. El exilio no se elige, viajar no siempre es un placer, pero es una búsqueda inevitablemente. El hogar, nuestro bosque original, el retorno, es necesario.”

Letra:
Estos árboles no crecieron para nosotras
pero igual tomamos su sombra
Los rayos de sol que se proyectan para vos
caen en otro lugar.
Las aves cantan distinto
Los perfumes son ajenos
Los caminos buscan regresar
los perros ya tienen dueño
Las voces me hacen ruido
Y en sueños tu casa es mi ciudad
Solo estoy corriendo más allá
Solo estoy corriendo al más allá

Créditos:
Música, letra y vídeo: Maia Basso

Maia Basso es una artista argentina, de Rufino (Santa Fé), realizadora audiovisual, artista digital, productora, compositora, letrista y cantante de música electrónica. Desde hace aproximadamente 15 años se desarrolla como artista en proyectos que incluyen diversas poéticas audiovisuales en la búsqueda del lenguaje interdisciplinario entre la música, el video, la luz y la performance.
Participó de numerosos proyectos de creación artística diversa tanto a nivel colectivo como individual mayormente orientado a presentaciones en vivo de carácter multidisciplinario.
Su proyecto solista homónimo está centrado en las canciones electrónicas, compuestas producidas e interpretadas en vivo con sintetizadores, samplers, procesadores de efectos y voz en un formato 100% hardware. El imaginario de las canciones contempla una faceta visual que es abordada por la artista de forma integral. De modo que el origen de las canciones parten de una retroalimentación de lenguajes, que desarrollan conceptos poéticos y metafísicos de tono existencialista encarnados en personajes sin identidad determinante.

“Wohin“, por Isaías Beni
Estreno: jueves 14 de diciembre 2023 – 19h

Isaías Beni interpreta en la ribera del Paraná una maravillosa versión de “Wohin” de Schubert.

“La bella molinera” compuesta por Franz Schubert en 1824, es un ciclo de lieder que consta de 20 canciones con acompañamiento de piano. El lied, un género vocal destinado a cantantes aficionados, experimentó una popularidad inmensa en los países germánicos desde la última década del siglo XVIII. Hacia la década de 1820, se consolidó como la principal expresión de la sensibilidad romántica en la música alemana.

En Wohin, el protagonista camina junto a un arroyo buscando un molino para aprender el oficio de molinero. El arroyo, en este contexto, puede ser visto como una presencia activa en la narrativa general, guiando sutilmente al joven molinero hacia su destino y, en última instancia, hacia su muerte. A lo largo de la canción, el molinero reflexiona sobre la misteriosa fuerza que lo impulsa por este camino en particular, reconociendo una sensación de encantamiento que parece rodearlo. A pesar de estas reflexiones, eventualmente sucumbe al inexorable llamado y continúa su viaje. La canción concluye con un estribillo casi mágico, “fröhlich nach”.

Letra:

¿A DÓNDE?

hacia abajo, hacia el valle
tan fresco y maravillosamente claro.

No sé qué sentí,
ni quién me aconsejó,
yo tuve también que bajar
con mi vara.

Hacia abajo y siempre adelante
y siempre tras el arroyo siguiendo
el curso del arroyo que cada vez murmuraba
más fresco y claro.

¿Es este entonces mi camino?
¡Oh arroyuelo! habla; a dónde?
Con tu murmullo
has embriagado mis sentidos.

¿Qué digo murmullo?
Esto no pueden ser murmullos.
Seguramente cantarán las náyades
allá abajo su canción.

¡Deja que canten, compañero, deja que murmuren
y camina alegremente detrás!
¡Pues las ruedas de un molino
giran en todo arroyo claro!

Créditos:
Composición: Franz Schubert
Letra: Wilhelm Müller
Voz y grabación: Isaías Beni
Piano: Lisandro Gramajo
Edición de audio: Agustín Carral
Video y edición: Isaías Beni y Facundo Echeverria

Isaías Beni es un tenor argentino, nacido en la ciudad de Cañada de Gómez y residente en Rosario. Cuenta con más de diez años de experiencia en el género lírico y ha incursionado en otros estilos vocales como el Jazz, el Rock, la Comedia Musical, la Salsa y el Pop aplicando sus estudios de técnicas modernas como Estill Voice Training y Complete Vocal Technique. Actualmente forma parte del dúo de cámara Double Trouble con Lisandro Gramajo como pianista, abarcando repertorio romántico en español, italiano, inglés, francés y alemán.

“Nutricias”, por Musgo y Mariana Pissano
Estreno: jueves 21 de diciembre 2023 – 19h

Nutricias es una obra embriagante de visuales caleidoscópicas y sonoridades lisérgicas, que nos conduce a un trance maternal. Dedicado a las Madres Nutricias, deidades como La Pachamama, Iemanjá, Venus, La Virgen Maria, Ištar, Afrodita, a las cuales se les adjudican virtudes como la fertilidad, la alimentación, la sexualidad y la maternidad.

Créditos:
Musgo: (Gonzalo Zabala) Producción musical y visuales
Mariana Pissano: Colaboradora audiovisual

Poesía
Le pido al hada del viento,
Y el hada de la madera,
Le pido a la diosa de los ríos
Y la madre de la selva;
Protejan el equilibrio
Y aguarden la resistencia,
La libertad de todos los ríos,
La luz de mi descendencia.
Las flores, las flores

Musgo es artista sonoro rosarino, docente, locutor nacional e investigador de las corporalidades sonoras de la voz. Director vocal en obras de teatro musical (“La leyenda del Jinete sin cabeza”, “Traición y muerte en Pichincha”, entre otros); Arreglador y Director escénico de Murgas estilo Uruguayo (Argentina, Uruguay); Jurado de carnavales de matriz guaraní (FNA). Varios de sus proyectos e iniciativas creativas fueron reconocidas por el Programa Escena Santafesina, la Plataforma Circulart (Medellín, Colombia) y certámenes como el Pre-Cosquin y el Festival Nacional de Laborde obteniendo el primer Premio en 2019 y 2020. En 2022 editó el álbum musical homónimo, de enfoque biocentrista, creado casi en su totalidad a través del sampleo de diferentes agentes ambientales de los humedales del litoral. El proyecto fue lanzado desde el sello discográfico de gestión colectiva “Kuikatl” y además contó con el apoyo del INAMU.

Mariana Pissano es artista plástica, docente de pintura y dibujo y gestora cultural, de Rosario. En los últimos años participó como productora artística y ejecutiva de proyectos que experimentan mediante las posibilidades de la plástica escénica a través de una metodología de diseño creativo que abarca la realización de vestuario, programación y operación de luces, visuales, escenografías, etc. Es coordinadora y colaboradora en ciclos y proyectos cuya iniciativa es diluir los límites establecidos entre la música, la danza y el teatro.

“La Serpiente Emplumada”, por Alma de Camaleón y Solange Urruty Paganini
Estreno: jueves 28 de diciembre 2023 – 19h

Cuando le pregunto a Alma, ¿Por qué La Serpiente Emplumada? ellx responde:

“Este símbolo nace en la cultura azteca y uno de los elementos que la representa es la dualidad, que se refiere a la existencia de los opuestos o complementarios en equilibrio, como la luz y la oscuridad, el bien y el mal, o lo masculino y lo femenino. Las alas simbolizan la conexión entre la tierra y el cielo, representando la trascendencia. La serpiente simboliza la renovación, el ciclo de la vida y la muerte, o la transformación. La combinación de la serpiente y las plumas fusiona elementos terrestres y celestiales, simbolizando la conexión entre lo divino y lo terrenal.

A los 9 años comienzo a tener un sueño recurrente, me despierto en mi cama a mitad de la noche empapado en transpiración, percibo que algo debajo de las sábanas se manifiesta en movimientos lentos pero con mucha intensidad, cuando decido levantar las sábanas, encuentro la cama cubierta de serpientes. No logro recordar mi reacción y me despierto. ¿Esto que ves, es real? A partir de esta premisa busqué construir un relato que conecte varios registros de distintos formatos, que fui recopilando en la última década. Cada pieza representa un rasgo de mi identidad, una forma de habitar el yo, una manera de hacer nuevas preguntas para llegar a nuevas respuestas. Podría decirse que estos fragmentos son sueños y recuerdos donde busco representar de forma onírica la conciencia y la inconsciencia (la dualidad). Este es un material al que estamos obligadxs a observar sin juicio, con delicadeza y respeto. En esta video performance busco interpelar y exaltar al máximo los sentidos, para que quien atestigua no pueda decidir qué información retiene. Este no es un material que (al menos yo) pueda decir de qué se trata o qué significado tiene, elijo confiar en cada interpretación porque creo que todas son válidas, así como los sueños también son interpretados por su falta de claridad“.

Técnicas empleadas en el videoperformance:
• Edición Visual y Montaje: Uso creativo de cortes, transiciones y efectos visuales para construir la narrativa visual de la actuación.
• Iluminación: Manipulación de la iluminación para crear atmósferas específicas, resaltar elementos clave o establecer estados de ánimo particulares.
• Performance en Vivo: Inclusión de elementos de actuación y danza creados en tiempo real para agregar autenticidad y conexión emocional con la audiencia.
• Simbolismo Visual: Uso de símbolos y metáforas visuales para comunicar mensajes profundos y conceptos abstractos.
• Exploración de Espacios: Aprovechamiento creativo del entorno y la ubicación para enriquecer la narrativa visual.
• Manipulación de Tiempo: Uso de técnicas de manipulación temporal, como la ralentización o aceleración de secuencias, stop motion, para crear efectos específicos.
• Colaboración Multidisciplinaria: Integración de diferentes expresiones artísticas, como danza, teatro, poesía, fotografía etc, para enriquecer la expresión artística.
• Experimentación Técnica: Efectos visuales de cine y uso de inteligencia artificial.

Técnicas empleadas en la música, por Solange:
“Al estar trabajando sobre un planteo visual fragmentario, busqué darle un énfasis considerable a los cortes, y para esto partí de construir ciertos objetos sonoros en base a la superposición de materiales con cualidades frecuenciales que logren cubrir un amplio espectro, que posean envolventes pronunciadas y de carácter impulsivo. De ésta manera poder ir y venir de secciones con texturas, tempo, registro y climas variables a ritmo
acelerado. Por otro lado, focalicé en componer algunas primeras texturas aisladas para las secciones que consideré de una mayor carga simbólica y emotiva. La yuxtaposición fue la articulación predominante que elegí para tejer la forma, elisionando y enlazando con estos objetos sonoros impulsivos sobre los puntos de corte de la imagen. La apuesta general, en este sentido, fue más hacia lo variable que a lo recurrente, y más hacia el contraste que a la similitud.

Tanto las secuencias en stop motion, las elipsis, los cortes y los movimientos corporales de Alma me sugirieron mucho en lo que respecta al BPM, a la densidad rítmica y cronométrica. Busqué apoyarlo y de a momentos exacerbarlo siguiendo un criterio en base a la tensión que me produjo lo que se expone visualmente.

Utilicé la técnica del sampling con el track Too Many Voices de Andy Stott. Comencé por separar las voces principales de la pista instrumental, y seleccioné los segmentos que me resultaron más interesantes y oportunos a nivel melódico y poético.
Armónicamente, todos los elementos fueron dispuestos a partir de una polaridad sobre la nota LA, que me permitió oscilar entre colores modales de más claros a más oscuros, y generar fricciones entre éstos, manteniendo siempre una coherencia armónica.
Las muestras extrapoladas del original de Andy Stott fueron transpuestas y re interpretadas armónicamente.

El trabajo con el timbre fue resultado de buscar un diálogo con la música de comienzos de los 80, tanto en la elección de los sintetizadores (Omnisphere Atmosphere), como del procesamiento de éstos (en los tracks individuales y en el master), utilizando emuladores de cinta, distorsión armónica, wow, etc. sin dejar de lado sonoridades más actuales.”

El proceso creativo de Alma, en sus palabras:
“Se recopiló un extenso material de archivo que fue realizado a modo de investigación los últimos diez años en formatos digitales de fotografía y video, material inédito que hoy ve por primera vez la luz de las pantallas. Material que luego pasó a una etapa de selección donde se hizo uso del criterio del concepto central de la obra, en esta parte del proceso participaron amigxs artistas que me acompañaron a comprender los símbolos ocultos para que la selección sea más clara.

Una vez finalizada la etapa de selección, se comenzó a guionar material nuevo que sirvió como conexión y ayudó a potenciar el relato general. Se hizo uso de las prácticas de Actos Psicomágicos de Alejandro Jodorowsky para investigar y encontrar fragmentos nuevos que puedan dialogar con lo que ya había sido previamente seleccionado.

Se llevaron a cabo dos rodajes donde todo lo que se recopiló se utilizó en la edición final. Cuando se comenzó la primera etapa de edición, inicialmente se buscó conectar el material a la canción de Andy Stott – Too Many Voices, la que luego sirvió como referencia para que junto a Solange comenzamos a generar un intercambio y componer a partir de diversas propuestas. Luego de varios intercambios y pruebas llegamos al track original del video performance, que lo que busca es acompañar a cada imagen desde un lugar emotivo y culto.”

El proceso creativo de Solange, en sus palabras:
“Lejos quedaron las primeras tres propuestas que le acerqué a Alma en base al video que me compartió en un comienzo. Mi aproximación había sido radicalmente distinta, con una atmósfera mucho más etérea, progresiva y apenas con una remota correspondencia sincrónica con la imagen. Eran más bien músicas con un relato casi paralelo, remitiendo emotivamente a un clima general del video.

A partir de ese primer encuentro Alma me sugirió más sincronía, contraste, elementos pulsados del bajo en las secuencias de stop motion: algo que impacte en el cuerpo. Reunirnos y dialogar sobre lo que se jugaba subjetivamente en el video me abrió una visión más compleja y rica para trabajar en el sonido. No fue menor el hecho de que ya había música que Alma estaba utilizando como back para el video (Too Many Voices) y había varios elementos que quería que siguieran estando al menos evocados, como la estética de la década de los 80s y ciertos timbres de los sintetizadores. Fue a partir de esto que decidí tomar las muestras del track. Finalmente hicimos algunas modificaciones al video y correcciones al audio respectivamente, para ajustar la sincronía general.”

Créditos:
Dirección y Producción: Alma de Camaleón
Asistencia de dirección: Agustina Peréz
Asistencia fotográfica: Lima Limón
Asistencia video: Milagros Cosentino
Edición y posproducción: Alma de Camaleón
Composición y edición de musical original: Solange Urruty Paganini
Performance en Vivo: Alma de Camaleón

https://www.youtube.com/watch?v=4HrkDsHRONA

Alma de Camaleón, es une artista interdisciplinarix de la ciudad de Rosario, Argentina. Alma, a quien no le interesa nombrar sus estudios académicos, participa del movimiento under contracultural de Latinoamérica y realiza trabajos de gestión y docencia de forma independiente.
Sus prácticas artísticas atraviesan la performance, las artes visuales, escénicas y escritas.
Utiliza el Drag como un modo disruptivo del género, donde busca manifestar distintas facetas de la opresión de la sociedad en actos estéticos políticos.
Los relatos de identidades que han sido marginadas y el cuerpo situado son su plataforma de pensamiento y desarrollo de investigación libre y sensible.
Como artivista del colectivo LGBTIQ+ funda en 2017 el proyecto artístico emergente Fanática Viciosa en su ciudad natal.

Solange Urruty Paganini, artista nacida en 1992 en la ciudad de Rosario, estudió Composición en la UNR y se dedica actualmente a distintas facetas del proceso creativo musical. Es productora, intérprete, DJ, docente y militante de los derechos LGBTIQ+.