Cum panem

Cum panem

Cum panem
Del 27 de septiembre al 7 de diciembre 2024

Inauguración el 27 de septiembre a las 18.30h

ARTISTAS: Greta Alfaro – Joana Capella Buendía – La Chola Poblete – Ana Gallart De Mora – Grupo Escombros – Helena Laguna Bastante – Yoto
CURADURÍA: Paloma Etenberg – Júlia Farràs Marginedas – Irene Solé Quevedo

En el último trimestre del año recibimos tres nuevas muestras seleccionadas en la Convocatoria Proyectos Expositivos 2024: “Un sanguche y una media discuten en el baño”, “Intemperie mutante” y “Cum panem”. El CCEBA acompaña su desarrollo y producción con la finalidad de apoyar la concreción de proyectos emergentes, favorecer la circulación de las producciones artísticas y facilitar el intercambio de conocimientos y experiencias.

Las curadoras de la muestra Cum panem, Paloma Etenberg (ARG), Júlia Farràs Marginedas (ESP) e Irene Solé Quevedo (ESP) elaboran un encuentro de artistas argentinas y españolas en torno a uno de los alimentos más simbólicos.

El pan ha sido testigo discreto de nuestras historias compartidas, desde los antiguos hornos comunitarios que unían a las familias en la España rural, hasta las huelgas de panaderos anarquistas argentinos en 1888. Cum panem (del latín, “con quien compartes el pan”), se cuece para forjar vínculos entre los dos países a través del alimento más elemental.

Artistas de ambos lados del océano han utilizado el pan para abordar procesos sociales complejos a través de su potencia creativa. Las obras aquí presentes traducen saberes milenarios en inquietudes actuales, como los legados, las fronteras, la reconexión con el cuerpo y el acceso a la alimentación.

Texto curatorial AQUÍ.

Greta Alfaro (Pamplona, 1977) es artista visual. Vive y trabaja entre Reino Unido y España. Es licenciada en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia y Máster en Fotografía en el Royal College of Art de Londres. Ha recibido premios como Fundación Enaire de Fotografía, Carapelli for Art, Fundación Unicaja, Fundación Cañada Blanch, Generaciones de la Fundación Montemadrid, o El Cultural de Fotografía, y becas como Multiverso de la Fundación BBVA o la Beca CAM de Artes Plásticas. Ha sido artista residente en Glynn Vivian Art Gallery en Gales, Academia de España en Roma, Casa de
Velázquez en Madrid o Fundación BilbaoArte. Ha exhibido individualmente en el Festival de Fotografía de Landskrona, Suecia, en PhotoEspaña 2023 en la sala DKV Zaragoza, en DA2 Salamanca, en Cooke Latham Gallery de Londres, en la UMH de Elche, en la Fundación BBVA Madrid, en La Gallera Valencia, en Flint Institute of Arts Michigan, en el Museo Artium de Vitoria-Gasteiz, en el Museum of Contemporary Art de Hiroshima, Japón y en el Museo ExTeresa de Ciudad de México. Asimismo, expone regularmente en la Galería Rosa Santos, quien la representa en España. También ha realizado los proyectos site-specific A Very Crafty and Tricky Contrivance, con Genesis Foundation en 2012 y I Will Not Hesitate to React Spiritually con Roaming Room en 2019, ambos en Londres. Ha participado en exposiciones colectivas en lugares como Whitechapel Gallery, Institute of Contemporary Art, Saatchi Gallery en Londres; Centro Cultural Banco do Brasil en Brasilia; Bass Museum of Art en Miami; La Conciergerie en París; Künstlerhaus Bethanien en Berlín; Centre d’Arts Santa Mònica en Barcelona, La Casa Encendida y Centro Conde Duque en Madrid, y en festivales de cine como el International Film Festival Rotterdam 2011.

Joana Capella Buendía (Sant Fost de Campsentelles, 1990) es una artista graduada en diseño de integración multidisciplinar por la escuela ESDi (Universitat Ramon Llull) y con un máster en investigación y experimentación en diseño de la escuela Bau (Barcelona). Su práctica se centra en cuestionar las nociones de productividad del sistema económico actual, la cultura popular y las nuevas ecologías feministas. Entre sus proyectos recientes destacan “Guanyar-se el pa” (2017), “TWORK” (2024) y “Próximamente Barcelona”(2021). Ha realizado residencias en el Centro de Arte Huarte (Navarra); Casa Tres Patios (Medellín, Colombia); y actualmente es residente de investigación en La Escocesa (Barcelona). Su trabajo ha sido reconocido con becas y apoyo de instituciones como OSIC de la Generalitat de Catalunya, Homessession, Centro Huarte, Sala d’Art Jove (Barcelona) y Centre d’Art La Panera (Lleida). Ha expuesto en espacios como La Capella, Centre d’Art Contemporani Fabra i Coats, SWAB Art Fair; LOOP Festival (2022-2021) en Barcelona, en la Facultat de Belles Arts de Cuenca (Cuenca, 2021), La Panera (2019) y Sala d’Art Jove (2018).

La Chola Poblete (Mendoza, 1989) es una artista multidisciplinar que realiza performances, foto-performances, video-arte, fotografía, pintura, dibujo y objetos. Estudió las carreras Licenciatura y Profesorado en Artes Visuales de la Universidad Nacional de Cuyo y se formó en instancias no institucionales con artistas de su interés. Ha participado en muestras colectivas e individuales, nacionales e internacionales. También, participó en ARCO con un solo-show seleccionado para la sección de Arte Latinoamericano, “Nunca lo mismo”, comisariado por Manuela Moscoso y Mariano Mayer, que fue visitado por la Casa Real. Fue invitada para la bienal de Video Brasil, en São Paulo. Ha recibido premios como el de Banco Ciudad 2022 y fue elegida Artista del año 2023 por el Deutsche Bank, para quienes realizó un solo-show en la ciudad de Berlín, en el Palais Populaire. Este año, participa de la Bienal de Venecia: “Stranieri Ovunque”, invitada por Adriano Pedrosa, el curador de esta edición. Además, ganó una Mención Especial del jurado de la Bienal por su participación.

Ana Gallart De Mora es artista, comisaria y gestora cultural especializada en fotografía. Mientras cursa sus estudios de comunicación, diseño y fotografía en Barcelona, Bruselas y Lille, se vincula a varios proyectos culturales y sociales. Centra su práctica artística en torno al pan entendido como elemento de cohesión social universal y desde perspectivas diversas. Trabaja en programación y curaduría en el Festival Internacional de Fotografía Analógica. Jurado de festivales como Rotlicht, Vienna, y Vintage Photo Festival, Polonia. Autora del proyecto editorial fotolibro Memorias colectivas en cuarentena y del proyecto expositivo y fotolibro Harina, agua y sal.

Grupo Escombros registra su primera acción el 9 de julio de 1988. Lo hace con la obra Graffiti, envío de una postal impresa con la fotografía de la pintada realizada sobre un muro en una esquina del barrio porteño de San Telmo: “Nos sorprende estar vivos cada mañana, sentir sed, e imaginar el agua”. Con esta declaración, en un contexto de una profunda crisis económica, social y simbólica en Argentina, el colectivo artístico platense dio inicio a una trayectoria que durará más de veinte años. Su poética estuvo caracterizada siempre por la apertura de lo artístico hacia otros territorios, materialidades y objetos y sus propuestas giraron en torno al restablecimiento de las utopías, la acción social y el agenciamiento de lo público. En sus comienzos estuvo integrado por Luis Pazos, Héctor Puppo, Raúl García Luna, Jorge Puppo, Angélica Converti, Oscar Plasencia, Claudia Puppo y Mónica Rajneri. Después de varias acciones el colectivo quedó conformado por Horacio D’Alessandro, David Edward, Héctor Ochoa, Luis Pazos, Héctor Puppo, Juan Carlos Romero y Teresa Volco.
Como grupo de arte callejero, originado en la ciudad de La Plata, realizaron más de 100 acciones que abarcaron desde las calles, plazas, bosques y arroyos hasta lugares abandonados como fábricas cerradas, caleras dinamitadas o canteras que dejaron de ser explotadas por el hombre. Sus denominados Objetos de conciencia, revisten particular importancia en su producción, siendo parte de colecciones públicas y privadas de Argentina y del exterior. Su programa estético y político se vio consolidado en la publicación de los manifiestos La estética de lo roto (1989); La estética de la solidaridad (1995); La estética de lo humano (2000); La estética de la resistencia (2003); La estética del anti-poder (2005) y La estética de la desobediencia (2007). Con más de 500 producciones el Grupo Escombros. Artistas de lo que queda, fue pionero en acompañar el hacer común y vincular el arte con la vida desde una multiplicidad de dispositivos artísticos y culturales. Sus obras, imprescindibles para el arte argentino, no cesan de provocar reenvíos a la actualidad, a la condición humana, al arte, a lo vital.

Helena Laguna Bastante es una artista interdisciplinar que centra su investigación y práctica en torno a los límites y tensiones entre el lenguaje y la memoria. Estudió Bellas Artes en la Universitat de Barcelona. Ha formado parte de exposiciones y acciones como la Cuarta Edición de Lluerna en la Fundació Miró (Barcelona); Distensions #3 en la Cuina de MACBA (Barcelona); Estem treballant per a vosaltres, comisariada por Sala d’Art Jove junto a José y sus Hermanas en Centre d’Arts Santa Mònica (Barcelona, 2023); Esquinçar Superfícies, comisariada por Renán Camilo en Sala d’Art Jove (Barcelona, 2023); Hilando la Memoria en el Museo Universitario del Grabado (Chile, 2023). Recientemente, su trabajo ha sido seleccionado para las Beques de Creació Artística de la Fundació Guasch Coranty (Barcelona, 2024), el Programa de Residencias de Sant Andreu Contemporani y Fabra i Coats (Barcelona, 2024), Laboratori de recerca col·laborativa (Fundació Antoni Tàpies, 2024) y Bar Project (Barcelona, 2024).

Yoto es el proyecto de Ignacio Sandoval, artista multidisciplinario que se desarrolla en los campos de la música, performance, artes visuales y cocina. Se desarrolló como cantante, guitarrista y baterista en diferentes proyectos musicales de la escena experimental de Buenos Aires. Editó discos en sellos locales e internacionales, tales como ABYSS, AGVA, Pampsychia (Italia), IW (Estados Unidos) y Kit Records (Reino Unido). En el 2015 dio vida a YOTO, su proyecto solista en el que vincula distintas disciplinas como música, video, performance y arte plástico. En 2020 fue convocado para realizar el videoarte “Hasta que la muerte nos separe” en la muestra de Mildred Burton en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. En 2022 realizó la residencia “Música Expandida” en la UNSAM y compuso la ópera experimental “Alquiler” para el festival RUIDO en el CCK. En 2023 realizó “Pareidolia”, su primera muestra individual de esculturas en técnicas mixtas en la Galería NN de La Plata y participó de la creación grupal e interpretación de la ópera experimental “Cerdas” en PROA21, exponiendo también esculturas de cerámica. Actualmente asiste al taller de cerámica del artista Pablo Insurralde y desarrolla un experimento culinario en “Las Deudas”, espacio de talleres de artistas y actividades culturales, donde ofrece comidas creadas especialmente para eventos del espacio y dicta talleres de cocina.

CURADURÍA:
Paloma Etenberg (Buenos Aires, 1996) es Magíster en Arts Administration and Cultural Policy por Goldsmiths, University of London, y Chevening Alumna 2021-22. Es Licenciada magna cum laude en Comunicación por la Universidad de San Andrés. Escribió su tesis de grado sobre conceptualismo latinoamericano y el “arte de los medios de comunicación” entre 1966 y 1974 en Argentina. Trabajó en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, The Peggy Guggenheim Collection en Venecia, el Barbican Centre en Londres y en The Museum Box, compañía de gestión de exposiciones itinerantes de arte. Actualmente es asociada en la consultora de estrategia cultural András Szántó LLC y es co-fundadora de Historias Entre Lienzos, archivo virtual de artistas mujeres argentinas.

Júlia Farràs Marginedas (Barcelona, ​​España, 1996) gravita en el campo de las Humanidades, la Antropología y la gestión cultural. Graduada con mención de honor en Humanidades por la Universidad Pompeu Fabra, es magíster en Antropología y Etnografía en la Universidad de Barcelona y actualmente se encuentra cursando su doctorado en Sociedad y Cultura en la misma institución. Ha colaborado en diversos proyectos de investigación y gestión cultural, como en la Embajada de España en Colombia, la Comisión de la Verdad, Imaginart Gallery, Rebobinart y Fundación Gladys Palmera, entre otros. Actualmente trabaja en la Embajada de España en Colombia, participando en el proceso de paz entre el gobierno colombiano y el ELN, además de desarrollar proyectos de curaduría independiente.

Irene Solé Quevedo (Barcelona, 1997). Graduada en Periodismo y Humanidades por la Universitat Pompeu Fabra y con estudios de máster en Arts and Culture Management en Rome Business School. Recibió mención de honor en su tesis ‘Poética del dormitorio’. Ha complementado su formación con cursos de Art History, Criticism and Communication (University of the Arts London) y de Dirección Audiovisual (ESCAC). Es autora de numerosos reportajes publicados en el suplemento Cultura/s de La Vanguardia. Ha comisariado la programación expositiva en la galería Imaginart, especializada en arte censurado, del 2019 a 2023. Actualmente trabaja como gestora cultural en la Embajada de España en Países Bajos (beca AECID para capacitación de jóvenes españoles).

ASESORÍA CURATORIAL SALAS CCEBA 2024:
Laura Spivak. Mar del Plata, 1976. Vive y trabaja en Buenos Aires. Es artista y curadora. Estudió en la Escuela de Artes Visuales Martín Malharro. Obtuvo becas y subsidios del Institut Francais d’ Argentine, la Academia Nacional de Bellas Artes, el Fondo Metropolitano de las Artes, la Secretaría de Cultura de la Nación, Fundación Antorchas y el Fondo Nacional de las Artes. Como artista realizó exposiciones individuales y participó en muestras colectivas en Argentina y el exterior, y fue seleccionada en salones y concursos -en algunos de ellos con premios y distinciones. Entre el 2013 y el 2021 asesoró el área de Artes Visuales de la Bienal de Arte Joven de Buenos Aires. Formó parte del Departamento de Contenidos del Centro Cultural Recoleta, trabajó como curadora en el Centro Cultural de España en Buenos Aires y en el programa Contemporáneo del Centro Cultural Borges, donde además desarrolló tareas de coordinación, producción y montaje.